Натали Ратковски, художник-иллюстратор и дизайнер
Небольшая деревушка Аргиния на греческом острове Кефалония, небесным покровителем которого считается святой Герасим Кефалонийский, каждый год на праздник Вознесения Девы Марии становится магнитом местных жителей и туристов. Причиной тому служит чудо, в которое верят как минимум все местные жители — явление богородичных змеек.
По преданию, в праздник Вознесения с окрестных гор сползаются ядовитые змеи, которые внутри церкви и только в пору праздника становятся самыми безобидными существами на свете. Животных можно гладить, а прикладывать к лицу и груди или держать осторожно губами считается благословенным и приносящим счастье и здоровье. Верующие рассказывают о кефалонийском чуде со слезами на глазах и считают доказательством существования Бога.
При ближайшем рассмотрении оказалось, что речь идёт о безобидных ужах — Кошачья змея — которые по своему внешнему виду довольно сильно напоминают ядовитых змей острова – Носатых гадюк. Так же оказалось, что нет у бедных животных никакой доброй воли. Примерно перед праздником ужи появляются в огромном количестве на склонах близлежащих гор – скорее всего для размножения. Местные жители собирают их в банки и приносят в церковь. Но любые научные объяснения натыкаются на стену непонимания со стороны тех, кто хочет верить в чудо.
Источник фото: Unsplash.
Верите вы или нет, но в мире искусства происходит то же самое. Большинство людей хотят верить в чудо и считают, что нет нужды в логических и вполне очевидных объяснениях того, как именно творческие люди создают красоту своими руками. Им достаточно полагаться на ощущения и привычную веру. Разберёмся, почему так?
Культ чуда
Долгое время художники активно поддерживали культ чуда. Считалось недопустимым обнаруживать в готовой работе подмалёвок, грубые мазки или то, какими огромными усилиями создавалась работа. Каждое полотно было чудом! Теми самыми богородичными змейками, которые сказочно появлялись и исчезали по воле божьей. Как фокусники, которые никогда не раскрывали секреты своих трюков, художники лелеяли образ помазанника божьего со святой кистью в руках. Ему и только ему было дано создавать образы.
Можно долго спорить о том, насколько правильным был этот подход и хорошо ли то, что сейчас многие знают, что за мастерством кроется не только талант, дарованный кем-то свыше, но и годы обучения, упорная работа и железная сила воли.
К тому же многие считают, что именно из-за того, что художник потерял ауру волшебного, постоянно показывает кухню и рассказывает о техниках и приёмах, многими соплеменниками были обесценены и труд, и старания, у таланты художника. Отсюда, мол, начались и все беды из серии: «Нарисуй мне бесплатно, тебе это просто, быстро и в удовольствие».
Источник фото: Unsplash.
Я придерживаюсь диаметрально противоположного мнения. Если люди перестали верить в необъяснимое чудо — всем как будто давно известно, что волшебная кнопка в Фотошопе делает за нас красиво, то нужно предоставить научно-исследовательское чудо: объяснения того, какими путями и усилиями появляются на свет работы, и почему стоят тех денег, которые мы за них просим.
Но так ли всё плохо и почему до сих пор находятся люди, которые щедро, пусть и за деньги на всевозможных мастер-классах, готовы делиться своим мастерством и вкладывать свою лепту в развитие изобразительного искусства?
Популяризация профессии
Когда художники делятся рабочей «кухней», можно смело говорить о популяризации профессии. Чем больше людей будут иметь представление о том, какой кровью даётся та или иная работа, тем больше будет цениться наша деятельность, коллеги. Причём всегда можно оставить какую-то свою фишку в тайне — никто не требует раскрывать абсолютно все карты. Но молчание или откровенная «дедовщина», когда начинающим вставляют палки в колёса или стараются запутать — приносит только вред. Причём в первую очередь нам самим. Ведь имидж художника, совпадающий с реальным положением вещей, должен работать на уникальную марку художника, а не против неё.
Выдавать простое за сложное
Возьмём, к примеру живопись маслом. Работа этим материалом часто считается высшей ступенью мастерства в творчестве, хотя техника работы маслом куда более простая, чем техника акварели. А всё потому, что из-за дольшей сохранности работ маслом по дереву или по холсту, цена и ценность таких работ намного выше. Можете как-нибудь любопытства ради посмотреть в галереях на разницу цен графических и живописных работ одного и того же художника. Иногда картина маслом намного меньшего формата и куда менее интересная, чем большая, сложная акварель, стоит в 2-3 раза больше. Однако сколько «шаманских» уловок и тайн у живописцев маслом. Многие художники так и не могут решиться – молчать или рассказывать, что всё не так страшно, как кажется.
Photo by Khara Woods on Unsplash
У начинающих часто голова кругом идёт. Как правильно натягивать холст, чем его грунтовать — желатинить или обрабатывать современными средствами, работать на тройнике или двойнике, а может на чистом масле или лаке? И если смешивать какие-то ингредиенты, то что именно и в каких пропорциях? Как долго ждать высыхания? Когда можно покрывать финишным лаком и надо ли вообще? И если да, то каким? Это только некоторые вопросы, которые возникают у новичков. При этом мнений и формул столько, сколько художников вы спросите. А в магазине художественных товаров просто сойдете с ума от обилия медиумов, фильтрованных и нефильтрованных, вареных и сырых препаратов, в которых вы как будто должны разбираться. И если предложить человеку взять уже готовый холст — без того, чтобы мучиться и самому натягивать — и работать просто на двойнике — с помощью терпентина и льняного масла, то к замешательству может привести уже простота этого решения. Здесь есть над чем задуматься.
Страх критики
Зачастую оригинальный, одарённый художник не всегда самый лучший учитель или рассказчик. Более того, он делает многие вещи в режиме полнейшего автоматизма, не отдавая себе отчёта в том, что и в каких пропорциях смешивает, чтобы добиться того или иного результата. Или наоборот, есть учителя которые весьма слабо, даже посредственно рисуют, но могут объяснить просто и доходчиво всю химию и физику процессов.
В случае уважительного отношения о таких людях говорят: «Отличный педагог, но как художник — никакой». Если уважения нет, то игнорируют любые заслуги: «Рисовать не умеет, а сам туда же — учить!»
Поэтому многие профессиональные художники боятся делиться секретами своего мастерства, потому что не хотят быть задвинутыми в какую-то категорию, и в подобной критике совершенно не нуждаются. При этом упускают из вида, что желающие осудить как уровень мастерства, так и уровень знаний художника всегда найдутся. Такова природа человеческая.
Источник фото: Unsplash.
Хвалиться чужими победами
Некоторые коллеги отказываются делиться творческой кухней и секретами мастерства, потому что столкнулись с ситуацией, когда ученики выдают работы, выполненными пошагово за учителем, как собственную полноценную заслугу. Вещь весьма обидная для мастера.
Если ученик повторяет за художником шаги его техники, по его концепту, его референсу, с его комментариями, то первому должно быть стыдно принимать комплименты от сторонних наблюдателей вроде тех: «Ах, боже мой, какой свет!» или «Оооо, какой мазок»! Я не знаю, почему всё ещё приходится объяснять взрослым людям, что если показывать практически на 90% чужую работу, хоть и выполненную собственными руками, то нужно понимать, что все эти комплименты предназначены в первую очередь мастеру, которого копировали. Разве придёт кому-то в голову принимать комплименты по поводу потрясающего выбора мотива и палитры, если была скопирована работа Рембрандта в музее? Максимум, за что художнику стоит себя похвалить – за техничность исполнения.
Фотография Натали Ратковски.
Более возмутительной является ситуация, когда люди приезжают с некоего мастер-класса и устраивают свою индивидуальную выставку с работами оттуда. В таких случаях речь о крайнем проявлении неуважения к наставнику и простой плагиат. Жаль, что так многие этого не понимают. Хотя, казалось бы, поставьте себя на минуточку в положение мастера — работайте десятки лет в поиске своего стиля, проб и ошибок, накопите столько опыта и поймите, насколько неприятна ситуация, когда вашу работу выдают за свою. Оплата труда наставника не даёт никакого разрешения выдавать его интеллектуальную собственность, которой непременно является и выбор мотивов, и индивидуальная авторская техника, за свою и принимать комплименты в свой адрес. Другой вопрос, если вам удалось изученную технику и композиционные навыки применить для собственных работ и дополнить со временем собственными находками. Но увы, у некоторых художников дальше слепого копирования чужого дело не движется.
Источник фото: Unsplash.
Если вдруг в описанной выше ситуации вы узнали себя, то у вас есть все шансы исправиться и вести себя более честно. Помните, что зачастую именно подобное поведение берущих приводит к тому, что дарующих знания становится всё меньше.
Итак, рассказывать или нет о секретах своей кухни — только личное дело каждого. Но! Что бы там ни говорили, но даже если самый продаваемый художник Германии — Герхард Рихтер — был преподавателем в дюссельдорфской художественной академии, можно легко понять, что авторитет людей, которые учат других, признаётся в разы быстрее, чем тех, кто сидит тихо по своим мастерским. Если вы боитесь, что кто-то украдёт вашу уникальную технику работы — продавайте её за деньги! Делайте капитал из ваших знаний, тогда будет хотя бы не так обидно, но даже полезно вам самим.
Обложка поста: unsplash.com
